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Agatha puise dans l’énergie du dancefloor pour bâtir un rituel contemporain où les corps s’accordent, s’élèvent et s’abandonnent à un mouvement partagé. Dans un monde saturé de peur, de division et de contrôle, danser ensemble devient un geste politique. La fête se vit comme un territoire de reconquête du sensible, une zone à défendre où s’invente une démocratie des corps. Sur scène, quatre interprètes, une DJ et un vidéaste inventent ensemble un cérémonial de soin social, entre isolement et communion, entre technologie et chair, entre euphorie et lucidité. Et invitent ensuite les spectateurs à un DJ set construit pour que chacun puisse se réapproprier son corps et sa liberté.

Une "traque" passionnée ayant comme but ultime de mieux le connaître et se comprendre. Soudain, quelque part dans la nuit, le hurlement d’un loup. Au sein du bivouac niché au creux du Vercors, c’est l’émoi et le début d’une fabuleuse enquête. À travers un récit palpitant, course échevelée pétrie d’enthousiasme, c’est toute la pensée philosophique de Baptiste Morizot qui se déploie. Nous ne sommes que des vivants parmi d’autres. Des humains habités d’ancestralités animales, et le moindre de nos gestes contient cet héritage. Raisonnement, doute, attention, amour, poésie ou imagination, chacun des six enquêteurs s’attribue un regard sensible et singulier. Avec eux, les idées prennent corps, deviennent limpides: penser sera leur épopée. Ils nous entraînent au cœur de la montagne explorer le vivant.

Ensemble, ils façonnent un dialogue d’une grande intensité, où chaque nuance devient respiration partagée. Schubert, Brahms, Schumann: Nicolas Dautricourt et Cristian Budu traversent trois sommets du romantisme et un siècle de lyrisme et d’émotion. Une conversation intime entre deux artistes dont l’exigence n’empêche jamais la grâce. Leur complicité rayonne dans un jeu d’une souplesse instinctive, capable de passer du murmure à l’embrasement en un instant. Guidés par un sens aigu du style, ils redonnent chair et émotion aux grandes pages du répertoire pour violon et piano.

Croisant les contes du premier et l’esthétique du second, Joris Mathieu crée deux spectacles autonomes qui prennent forme dans une même scénographie, comme un miroir tendu à la vérité. Dans la vision d’Hoffmann, imprégnée d’un certain romantisme, l’invention de la fiction naît de l’insatisfaction que produit le réel. Cette frustration le pousse à fuir le monde tel qu’il est et à en inventer un autre. Chez Tarkovski se joue notre incapacité à regarder le réel tel qu’il est. Nos yeux, épuisés par l’épreuve du quotidien, s’arrêtent à sa surface sans en percevoir la profondeur. À la croisée du théâtre et d’un cinéma intérieur, Joris Mathieu nous entraîne dans un univers étrange, propre à faire perdre tous les repères, et articule une fable visuelle qui nous fait entrevoir combien notre perception peut être instable.

Après Débandade où elle interrogeait l’essence de la masculinité, Olivia Grandville mène l’enquête sur ce que raconte cette puissance d’adhésion que génère la synchronicité, et sur son pouvoir de viralité. Se mouvoir en groupe, en mouvements similaires, existe de tout temps. Des assemblées totalitaires des chorégraphies de masse à la concorde joyeuse des fest-noz, il s’agit bien toujours d’embarquer les individus dans d’irrésistibles exaltations collectives, tant il est évident que partager un rythme commun porte un caractère festif et populaire. Quant aux réseaux sociaux, les liens qu’ils tentent de tisser créent des danses totalement virales. L’unisson serait-il une forme aussi séduisante que suspecte, dangereusement ambiguë? En cherchant le grain de sable qui gripperait la mécanique, Olivia Grandville signe une chorégraphie pour neuf interprètes jusqu’au vertige, reflet démultiplié de nos pratiques communes.

Marqueur de l’histoire annécienne, le Thiou, rivière où le lac se déverse, est mis à l’honneur, révélant aux habitants et visiteurs la beauté de ses rives. Agissant comme un véritable climatiseur naturel, le Thiou est d’une valeur inestimable pour la ville d’aujourd’hui et de demain, à l’heure où les Alpes subissent, le plus rapidement et violemment, les effets du réchauffement climatique. Comme pour mieux y révéler les forces naturelles qui y sont à l’œuvre, huit artistes de renommée internationale ont créé des œuvres, éphémères ou pérennes, spécialement conçues pour les sites qui les accueillent. Ils font du Thiou un lieu de brassage et de rencontres, créant chacun à sa manière un dialogue fécond où l’œuvre est inspirée du site qui, en retour, est révélé par l’œuvre.

Après l’adaptation de Mémoire de fille d’Annie Ernaux, Pauline Ribat offre une nouvelle expérience vive. Par la force du théâtre et de la littérature, l’intime se partage et devient universel. Charles Juliet a eu deux mères: celle qui l’a recueilli et élevé, et sa mère biologique. Cette dernière, s’occupant seule des enfants et du foyer, fait une dépression post-partum sévère qui la conduit à être internée en hôpital psychiatrique où elle mourra de faim pendant la Seconde Guerre mondiale. Elle est l'une des cinquante mille victimes de l'extermination douce sous le régime de Vichy. Son fils lui rend enfin les mots, à jamais perdus, avant de retracer son propre parcours et sa délivrance par l’écriture. Dans un espace qui se modifie au fil du spectacle, Pauline Ribat met en relief ce récit d’espoir, dont l’écriture se confond avec une intemporelle quête de soi, dans la rencontre de l’autre.

Son talent brut touche autant les novices curieux que les puristes. Enfant, c’est le film Sous le plus grand chapiteau du monde qui lui a donné l’envie de souffler dans une trompette. Pour Daoud, la musique n’est pas une affaire d’effacement dans l’harmonie, mais un engagement frontal: tendre un micro au monde ou plutôt lui souffler dedans. Ses racines ne se trouvent pas du côté feutré du Duc des Lombards, costume trois pièces et cigarette au bec, mais dans un jazz en baskets, nourri du groove du hip-hop et de l’énergie d’un meneur de jeu sur un terrain de football. C’est ce monde-là qu’il traverse entouré de ses complices, à rebours des références attendues.

Un hommage à la manière dont les récits, les chants et les rituels se partagent, se détournent et se réinventent pour mieux faire lien. Sur une petite île irlandaise isolée, quelques habitants tentent de maintenir le fil fragile de leur quotidien. Le temps paraît long entre les tempêtes, et le mouton McGowan se prend maintenant pour un chien! Les enfants grandissent dans un isolement total, entre des vieux trop enracinés et un seul adolescent qui rêve de fuir à tout prix. La vie de cette communauté bascule avec le retour de Tata Maav. À plus de cent ans, après une vie passée aux États-Unis à faire fortune dans la chaussette en laine d’agneau, elle revient sur sa terre natale pour y mourir « en pure Irlandaise ». Elle promet de leur léguer sa fortune s’ils ravivent les traditions de son enfance. Les chansons, les patates et les pulls qui grattent: tout doit revenir! Mais certains ne l’entendent pas de cette oreille…

Impossible de résister à une si tendre invitation. Fatna Djahra crée un espace intime entre les marionnettistes et le public pour que chacun puisse trouver le chemin vers ses petites variations intérieures. Dans la première pièce, il est question de départ en vacances et de voyage en voiture. Les paysages défilent et avec eux les jeux, les rires et les histoires inventées pour se dire les choses essentielles. Dans la deuxième, un fil élastique se transforme et s’anime, comme une toile tissée entre passé et présent où petits et grands se retrouvent unis par leurs souvenirs. Deux versions d’un même sujet: célébrer l’importance des moments partagés avec les aînés dans la construction de son identité. Une cartographie personnelle attendrissante et joyeuse.

Ce soir, les parents sont fatigués, ils veulent un coucher rapide, alors tant pis pour l’histoire! Mais la nuit n’a pas la même saveur si on perd à la fois l’invention des récits et le goût du frisson. Alors les deux enfants se lancent malgré eux dans une version alternative du conte des frères Grimm, et leur imaginaire se déploie. Les repas ont disparu au profit de pilules rapides à avaler, et Gretel et son frère fuient les adultes trop occupés pour partir en quête de l’appétit perdu et des sorcières oubliées. La chambre d’enfant se fait chemin, école, village. Les lits deviennent cabanes, supports de projection pour inventions visuelles, ombres chinoises ou manipulations. Objets et jouets se changent en marionnettes, dans une improbable farandole de personnages mystérieux et décalés. Un spectacle à dévorer en famille!

Le piano de François Raulin et la guitare de Richard Bonnet tissent l’atmosphère ouatée de ce voyage au pays du blanc, tandis que Jean-Marc Rochette esquisse en direct la beauté généreuse et violente de la haute montagne. Une aventure sensorielle au cœur de l’hiver. Figure locale et majeure de la bande dessinée, Jean-Marc Rochette s’est fait connaître avec sa série Transperceneige, puis Ailefroide et Le Loup. En 2020, au moment où il commence le dessin de La Dernière Reine, il fait le choix de s’installer à l’année aux Étages, dans le massif des Écrins. Le hameau n’est plus habité l’hiver, sa route d’accès est fermée de décembre à mars. C’est dans cette île de glace et de neige que l’auteur entame un hivernage en forme de voyage intérieur. Isolé du monde, il renaît. Au cœur de l’hiver est un dialogue charnel entre le dessin et la musique, mais surtout une déclaration d’amour au charme brut de la montagne.

Elle chante la liberté, l’exil et l’amour, dans une transe onirique qui répercute les tumultes du monde. Depuis ses débuts avec Gnawa Diffusion et le groupe de trip-hop Mig, Djazia Satour transcende les registres, sa voix étant la matrice d’une fusion unique. Avec son pianiste complice Pierre-Luc Jamain, compagnon de route de Feist, Oxmo Puccino ou Arthur H, elle poursuit sa quête musicale où le hawzi et les rythmes sahraouis croisent un maelström groove-jazz et l’énergie de la pop. C’est un duo à trois voix qui fait battre le cœur des compositions: les harmonies et improvisations du piano, la voix envoûtante et le frappé ancestral du bendir. Un décor propice aux confessions, où la beauté de la langue arabe nous empoigne en évoquant la liberté rêvée.

Dominique Valadié déploie l’étendue de son art, sous la houlette du merveilleux directeur d’acteurs qu’est Alain Françon. Un Beckett de légende, dans toute sa pureté. Winnie s’enfonce peu à peu, il ne lui reste plus que les mots pour exister. Alors elle s’accroche à de menues actions et aux quelques objets qui ont accompagné son quotidien: une brosse à dents, une loupe, un bâton de rouge à lèvres. Une vie, c’est fait aussi de petits riens. Face à elle, Willie reste mutique, presque absent. Ainsi s’écoule le temps, la journée toujours recommencée d’une femme qui résiste, avec ce qu’il faut d’autodérision. Alain Françon met finement en scène une existence suspendue, entre immobilité et flot de paroles. Dominique Valadié incarne avec virtuosité cette figure à la fois tragique, drôle et tenace. Comment ne pas succomber à sa folle humanité?

Ils vivent la musique dans la rencontre et le partage, avec tout ce qu’ils portent d’exigence et de satisfaction, et étincellent. Si la Sonate pour alto et piano écrite en 1919 par la compositrice anglo-américaine Rebecca Clarke reste méconnue du grand public, son œuvre a aujourd’hui gagné sa place dans le répertoire des altistes du monde entier. Les Märchenbilder, quatre pages écrites en quelques jours à la fin de sa vie par Schumann, sont une fabuleuse contribution au répertoire plutôt réduit de l’instrument. Quant à la Sonate op. 120 no 1 de Brahms, composée au départ pour clarinette, elle fut adaptée par le compositeur lui-même pour l’alto. Un programme magnifié par les qualités d’écoute et de communion propres à Hélène Desaint et Adam Laloum.

Les trois interprètes troquent leur peau humaine pour se glisser dans l’enveloppe d’un cheval avec sabots et pinceaux. En cohabitant dans le même costume, ils se placent à l’exact point de bascule entre le genre humain et le genre animal, parant leur nouvelle entité d’attributs composites. Mais ce cheval-là n’est pas comme les autres: il crée et analyse ce qui l’entoure. Avec toute la sauvagerie et la douceur de son corps, il s’approche de nous. Bientôt, il prend la parole. Quelle nouvelle perception du monde cette humanité glissée dans la bête va-t-elle développer? Comment cet être hybride, passionné d’art et de peinture, va-t-il satisfaire son besoin de liberté et de grands espaces? Fabricants d’univers insolites à la naïveté assumée mais à l’esthétique radicale, le collectif Old Masters interroge l’acte créatif jusqu’à renouveler le désir qui y conduit.

Trois solistes flamboyants pour un programme ciselé sur mesure. C’est à la fin de leur vie que Brahms et Fauré écrivirent chacun leur trio avec clarinette. Si Brahms composa une œuvre automnale à la fois nostalgique et lumineuse dédiée au clarinettiste Richard Mühlfeld, Fauré abandonna rapidement la version clarinette pour celle plus classique avec piano. Mais ces deux pièces restent des chefs-d’œuvre absolus de la musique de chambre. Elles sont portées par la fougue, la maestria et la symbiose d’un trio de musiciens à leur apogée.

Pour Bonlieu, Jacques Gamblin et Vincent Macaigne acceptent de se prêter au jeu le temps d’une représentation et d’être dirigés en direct par la comédienne et metteuse en scène, qui part à la recherche de cet "autre père". Un père répudie son enfant. Pas n’importe quel père puisqu’il s’agit du héros de la pièce de Shakespeare. En partant de l’incommunicabilité entre le patriarche orgueilleux et colérique et sa fille préférée, Andrea Jiménez explore la complexité du rapport entre les générations en s’appuyant sur son histoire personnelle. Sans répétition préalable, chaque représentation devient unique et non reproductible. Le réel s’invite alors dans la fiction. Le public est convié à la réinvention d’une vie, qui, sans effacer le passé, imagine d’autres fins à l’histoire et peut enfin se libérer.

Dans la boîte blanche de la scénographie, les comédiens du groupe Caute sont prêts à recommencer l’histoire. C’est une étrange comédie qui se pose sur notre temps marqué par le profit, les nationalismes, les guerres. Dans les années 30, Robert Musil dépeint l’élite autrichienne de 1913 errant, en quête de sens. À cette vision, Julien Vella oppose un spectacle effronté, et nous invite à rester attentifs, arc-boutés contre tout nihilisme. De l’œuvre initiale, on retrouve le foisonnement des personnages, un goût vertigineux pour la digression, et un refus obstiné de conclure. On suit les figures du roman dans une improbable tapisserie aux mille voix, où tous les moteurs de jeu sont activés: chant, pantomime, clown, danse ou stand-up. Et soudain, comme un boomerang, surgissent d’impertinentes références à l’actualité.

À ne pas en croire vos yeux? La Compagnie 32 Novembre vous invite à frôler l’incroyable: il ne suffit plus de regarder la magie, il faut la vivre! Pour leur troisième création après CloC et À vue, Maxime Delforges et Jérôme Helfenstein s’inspirent des croyances ancestrales pour dévoiler une magie plurielle. L’univers intemporel d’Opium provoque aussi bien l’interaction que la contemplation. Comme un parcours au cœur de l’illusion, c’est par petits groupes que le public passe d’un espace à l’autre, enveloppé par les vibrations sonores et guidé par la lumière. Dans chacune des sept chambres, au sol un peu mou et aux parois floues, se déroule un petit miracle. Dans le huis clos de l’écrin blanc, presque muséal, le spectateur vit l’immersion totale: l’expérience devient sensorielle, l’émotion spontanée. L’inconcevable peut se réaliser. Et la fin du voyage n’est pas sans surprise.

Un phénomène qui n’émerge que quelques fois par génération et qui touche irrémédiablement en plein cœur. Saluée par la critique dès son premier disque The Pirate’s Gospel et enchaînant les concerts à guichets fermés, Alela Diane apporte au folk une certaine élégance et un brin de sensualité. Laissant la rudesse et la rocaille de ses précédents albums, elle choisit d’emprunter un chemin plus chatoyant et doux, parsemé de mélodies richement arrangées (guitare, piano, cordes, mandoline, harpe). Enregistré en quelques jours avec une poignée de musiciens, dans son grenier et dans les conditions du live, Who’s Keeping Time? est une fenêtre ouverte sur sa vie, le deuil, les fêlures du passé et l’intensité du présent. De sa voix apaisante au timbre cuivré, elle déroule son univers raffiné et enveloppant en trio. La grâce, tout simplement.

S’inspirant du mythe de Dionysos, elle célèbre avec ses complices la force débridée de l’esprit humain. Ils s’amusent à fabriquer une collection de tragédies minute, dans un incessant chassé-croisé entre corps, instruments de musique et machinerie théâtrale. À Dionysos, dieu du vin, de l’ivresse, du désordre, nous devons aussi la naissance du théâtre. C’est lui qui brouille les frontières, qui permet de sortir de soi, de devenir autre. Car jouer, c’est se dédoubler, laisser advenir de permanentes métamorphoses. Jeanne Candel retrace les épisodes de la vie fictive du divin mystificateur, qu’elle entrelace à ses propres souvenirs. Il y a, dans ses pièces, l’expression d’un théâtre artisanal, rudimentaire, un théâtre des origines. Après Fusées et Le Crocodile trompeur, Capra ouvre une nouvelle trappe vers la puissance de l’imagination, pour se dépayser de soi-même et créer l’illusion.

Music Hole convoque la figure du fantôme et sonde notre rapport au temps, au visible et à l’invisible. Inspiré par les pratiques du spiritisme, Steven Michel chorégraphie le présent hanté par les traces du passé, les promesses non tenues et les futurs jamais réalisés. À l’instar de cet espace-temps entre rêve et hallucination, les corps deviennent récepteurs de nouvelles énergies, traversés de gestes, de sons, d’images et d’échos enfouis. L’humour confère au spectacle une dimension supplémentaire, en interrogeant les clichés familiers du cinéma fantastique, et permet un effet démystificateur.

DJ et corps en surchauffe nous invitent à un rassemblement festif qui transforme le théâtre en lieu de liberté inconditionnelle. De tout temps, les bals clandestins ont fleuri dans l’ombre. Refaire société et permettre au corps empêché de laisser éclater son énergie sont des besoins vitaux. Pour ce bal, éloge des singularités, la chorégraphie se fait plurielle: cha-cha-cha, techno, carioca ou hip-hop, les styles se mélangent, unis par le plaisir de danser ensemble. Un bonheur qu’Aïcha M’Barek et Hafiz Dhaou souhaitent offrir à tous, invitation à dynamiter joyeusement l’entrave de l’autocensure. Et glisser doucement dans l’ivresse d’une possible rave-party aux BPM endiablés. Car il faut bien que le corps exulte, dans l’espoir d’un autre monde.

Une maturité assumée, la poésie en héritage. Artiste aux multiples talents, Abd al Malik œuvre à la fois comme rappeur, auteur-compositeur-interprète, réalisateur, scénariste et metteur en scène de théâtre. Il s’épanouit dans la sphère du rap depuis le début des années 2000. Son deuxième album sorti en 2006, Gibraltar, aborde avec éloquence les problématiques migratoires au cœur de notre époque. Pour fêter les vingt ans de ce superbe album-manifeste, Abd al Malik donne forme à un spectacle total. Gibraltar, Identités réconciliées représente la fusion de l’art visuel, de l’art déclamatoire, de la danse et de la musique, langages unis pour raconter l’individualité comme un universel en relation.

Il confie à l’intense Mélanie Thierry le cœur ardent de ce fiévreux thriller psychologique. Autour de Renée, cinq femmes s’affrontent et se défient. Sa mère, madame de Montreuil, dont l’influence dissimulée aura pesé plus d’une fois sur la destinée de son gendre; sa sœur, Anne, loin d’être insensible au charme de son beau-frère; madame de Simiane, toute confite en religion et madame de Saint-Fond, son opposée, férue des plaisirs de la chair. Quant à Charlotte, la domestique, elle porte les prémices de la Révolution à venir. Toutes esquissent un portrait en creux du Divin Marquis. Chacune est captive à sa manière de ce spectre obsédant. Stanislas Nordey, porté par la flamboyante alchimie de sa distribution, joue de la théâtralité acérée du texte avec une grande subtilité.

Des profondeurs méditatives aux élans romantiques, François Dumont dessine un voyage au cœur du grand répertoire pianistique. Le choral Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ de Bach, dans la transcription éblouissante de Busoni, ouvre la soirée comme une prière murmurée, avant que Mozart ne vienne troubler cette sérénité avec sa Sonate en ut mineur, l’une de ses pages les plus sombres et dramatiques. Beethoven déploie ensuite sa Sonate op. 7, œuvre de jeunesse aux dimensions monumentales, où l’audace formelle annonce déjà les grandes architectures à venir. La seconde partie met Chopin à l’honneur avec les deux Nocturnes op. 27, la célèbre Fantaisie-Impromptu et l’ultime Ballade no 4, sommet d’intensité poétique et de virtuosité. Un programme contrasté et profondément lyrique servi par une grande maîtrise expressive.

Au centre d’une piste circulaire, en immersion dans un paysage en perpétuelle transformation, les perceptions se troublent pour laisser notre imaginaire prendre le pouvoir, et nous arracher à la gravité. Après le merveilleux Après-Midi d’un fœhn, Phia Ménard explore à nouveau la force invisible et jouissive de l’air. Elle compose une fable visuelle, parade de créatures gonflables et d’objets volants aux prises avec des danses indomptables, tantôt grotesques, parfois macabres. Quelque part entre Calder et Niki de Saint Phalle, un peuple en lutte s’agite contre un monde qui doit prendre fin. Reflet des temps politiquement obscurs qui nous menacent, et que nous devons traverser pour espérer trouver la lumière. L’émotion intense produite par la danse de ces pantins fantastiques nous saisit, comme un éblouissement dans la nuit.

Même charme, même empathie pour cet amour à la folie! "Chéri, je t’aime jusqu’à la mort". Cette sentence fredonnée par Mariam sur M’Bifé blues prend d’autant plus son sens depuis le 4 avril 2025, date du décès de celui qu’elle avait rencontré à l’Institut des jeunes aveugles de Bamako et avec qui elle aura construit une vie. Mais pas question pour elle d’abandonner la scène. Toujours accompagnée par ses fidèles musiciens, elle porte les mélodies qui ont fait le succès du couple: Je pense à toi, Sabali et Beaux Dimanches en tête de liste, mais aussi les chansons qui composent le répertoire de l’album posthume, sorti à l’automne dernier. Une histoire de sérénité qui rime éternité.

Et les figures plurielles du chef-d’œuvre de Bizet jaillissent avec fougue. Héroïne mille fois mise en scène, la scandaleuse Carmensita finit tragiquement sous le poignard de son jaloux. Un inacceptable féminicide, triste reflet d’une sombre époque. Mais ne peut-on pas pour une fois changer la fin de l’histoire? Celle qui défiait la chronique par son comportement qu’on jugeait aguicheur, n’était-elle pas simplement follement éprise de liberté? Abou Lagraa fait de ses danseurs, tous genres confondus, des Carmen en puissance, refusant la mort. Entre provocation et jeux de séduction, tensions et élans exaltés, les interprètes font apparaître les doubles réinventés de ce symbole absolu d’émancipation.