Culture & loisirs

Tu rêves de la « glass skin »? Direction Misozo, la boutique de skincare coréenne, au cœur d’Annecy. Au programme: des produits de skincare coréenne, des soins du visage adaptés, des massages personnalisés, du Deep shot, de la luminothérapie, des conseils personnalisés et des marques reconnues comme: Anua, Beauty of Joseon, Medicube, COSRX, Erborian, Centella… Tout pour une routine complète et une peau ultra clean!

Un théâtre truffé de rires insolents et iconoclastes, où les portes claquent avec panache! Des salons bourgeois à l’hôtel de passe, on suit Lucienne, l’épouse qui se croit trompée, lancée à la poursuite de sa vengeance. Elle y découvre le monde de la nuit, fascinant, débridé, interlope. Intrigue et personnages sont scrupuleusement respectés. L’esprit de Feydeau, dans toute sa folie, ses excès, et sa désopilante absurdité aussi. Ses personnages semblent être mus par une force libidinale intarissable qui révèle nos failles, nos pulsions, notre bêtise. Et nous fait rire. Mais comment rendre audible l’amoralisme du texte à l’heure de #MeToo? Aurore Fattier interroge finement l’engrenage du désir et démonte les ressorts de la masculinité toxique. Feydeau serait-il féministe, finalement?

Il incarne amoureusement des hommes et des femmes qui débarquent avec leur fantaisie et leur besoin de partage. Un seul en scène très peuplé. Le "yaourt", c’est cette maladresse touchante d’un désir qu’on ne sait pas dire, l’aveu qui emprunte des chemins de traverse. Si la vie est une chanson, nous sommes beaucoup à faire du yaourt avec les paroles. On se lance sans savoir, on improvise, on bricole, on fait au mieux pour chanter avec les autres. Le résultat est souvent chaotique, un peu gênant mais surtout très drôle. Il contient un effort de vivre, une tentative de répondre à cette injonction permanente de mieux faire et de mieux être. Dans ses courtes vidéos postées sur les réseaux sociaux, dans ses chroniques radiophoniques comme dans ses spectacles, Thomas Poitevin pose toujours la même question: comment fait-on pour réussir à vivre ensemble?

Paré de musique, de chant, de danse, baigné de lumières fascinantes et polymorphes, le plateau devient le cadre d’un amusant rituel destiné à révérer toutes les choses du monde. Jaillit alors la liturgie d’un nouveau culte, abyssal portrait de notre époque. Un nexus, c’est le point de connexion de multiples éléments. Chez Joris Lacoste, il se traduit par un inventaire non exhaustif de tout, absolument tout ce qui fait notre société. Ici, toutes les vies ont leur place, toutes les façons d’exister sont légitimes. Dans une grande cérémonie performative, l’incroyable troupe bigarrée égrène à l’infini et avec jubilation les mille petits riens qui nous cernent. Sans jugement aucun, à part de petites pointes d’ironie affectueuses, les images, les sons, les idées s’énumèrent sans hiérarchie, se muent en litanies, danses d’invocation et autres formes infiniment réjouissantes. Du grand art, et une nouvelle religion pour une inclusivité maximale.

Deux voix, deux corps, deux présences qui s’attirent, se repoussent, se heurtent et se reflètent, imprégnés par la rudesse de la Haute Provence chère à Jean Giono. Ange et Marceau se sont aimés au-delà de tout, d’un amour fraternel, absolu, sauvage, déchirant. Jusqu’à se broyer mutuellement. À présent, ce sont deux spectres qui viennent rejouer leur vie: les silences pudiques, les joies, les coups comme les étreintes. Dans l’aridité des montagnes où l’on s’impose par la violence, centaures de légende, ils se sont soutenus, confrontés, admirés. Jusqu’à l’ultime affrontement. Jean-Yves et Éric Ruf poussent à l’incandescence le souffle tragique et puissamment charnel de cette épopée. Une veillée d’ombres et de fureurs, qui nous renvoie à notre humanité la plus nue. Grâce à eux, longtemps encore, les cavaliers intrépides galoperont sous l’orage.

Un nouveau spectacle s’inscrit aujourd’hui au chapitre d’un nouvel album, dans la continuité de la tournée précédente, pour ne pas cesser de nous faire vibrer. Pour la tournée Autour du soleil se tenaient sur scène simplement deux musiciens. Arthur H était aux claviers, à la guitare, au chant, à la poésie et à la transe. Pierre Le Bourgeois au violoncelle, ses cordes frottées se faisant tantôt douces et lyriques, tantôt sauvages ou chaotiques. Entre acoustique et technologie, les deux funambules composaient une musique créative en direct, tout en réinventant des classiques. Cette expérience intense est le point de départ du laboratoire d’écriture du nouvel album d’Arthur H, prévu pour 2027. Il choisit de reprendre la route avec Pierre, duo complété par un troisième musicien percussionniste, avec toujours le plaisir de s’aventurer dans le jeu et la joie de l’énergie partagée.

Dans un espace peuplé de fantômes et de musiques, Gorgone et Persée croisent Marat et Olympe de Gouges. Un théâtre vif pour encourager notre faculté à se réinventer, comme la promesse d’un avenir en reflets. Lazare nous propulse dans une grande saga politico-fantastique où apparaissent nos colères, nos contradictions et nos désirs de liberté. Trois clans s’opposent: les Mystérieux, aussi respectueux des mythes que du capitalisme, les Lumineux mettant en avant leur mérite et les Petites Amplitudes, éternels dépossédés. Denis Lavant est Marat, fuyant de cave en cave, pourchassé et démiurge. Fascinant comédien qui a beaucoup joué les monstres du répertoire, il incarne avec une tendresse rare les âmes perdues.

Mise en musique par Étienne Daho, cette fable animalière sur la différence et l’acceptation de soi est une manière stimulante de frotter les jeunes esprits à la beauté et à ses différentes facettes. Qu’il est vilain, ce petit canard, il ne ressemble pas à ses frères! Le comédien Arnaud Valois interprète avec gourmandise le texte cru et imagé tandis que la danseuse Raphaëlle Delaunay devient pie, héron, cygne, paon et évidemment canette. Un duo magnétique qui se déploie dans une scénographie mouvante: photos, gravures et vidéos sont projetées sur un rideau de perles qui permet de passer d’un décor à l’autre. La partition musicale est pleine d’humour et de vivacité. Une version fantastique et légèrement surréaliste qui éclaire la force très actuelle de ce récit initiatique, qui n’a jamais vraiment quitté notre imaginaire. Un formidable encouragement à être tout simplement soi.

Formé en Belgique à la fin des années 90, le groupe s’impose rapidement avec des titres devenus cultes comme Mad About You, Eden ou Anger Never Dies. Leur musique, à la fois sensuelle et énigmatique, mêle cordes somptueuses, rythmes envoûtants et voix hypnotiques. Toujours en quête de nouveaux paysages sonores, Hooverphonic a su traverser les époques sans jamais perdre de son groove raffiné et mélancolique. En concert, cette alchimie se déploie dans toute sa puissance visuelle et émotionnelle: des lumières tamisées, une scénographie épurée, une poésie sonore qui captive, sans éclats inutiles. On retrouve une parenté avec Portishead, Morcheeba ou Goldfrapp dans les climats oniriques et les sonorités enveloppantes. Une expérience sensorielle complète et une charmante invitation à plonger dans un rêve éveillé.

Et il pose une question cruciale: une souffrance subie peut-elle tout justifier? Un père assassiné, une fille qui veut le venger quelles qu’en soient les conséquences, une mère coupable et un fils sous influence. Eugene O’Neill transpose le mythe des Atrides au sortir de la guerre de Sécession, dans un monde qui contient en germe l’Amérique d’aujourd’hui. Réécriture de la pièce d’Eschyle, ce drame archétypal continue de susciter tous les questionnements sur notre humanité. Est-ce possible d’enrayer l’engrenage de la violence? Si ce n’est par le pardon, alors par l’oubli, chose qu’Électre refuse obstinément, continuant de s’enfoncer inexorablement dans la violence. Gwenaël Morin et ses fidèles acteurs en explorent toutes les facettes, braqués sur le moment où le drame bascule.

Deux formes courtes qui explorent la magie des métamorphoses et de la transe. "La chorégraphe et danseuse Akiko Hasegawa convoque la joie à partir d’une bibliothèque musicale éclectique qui constitue la partition fine de son solo. Puis il y a le corps, la danse de l’ici et l’ailleurs. Au Japon, le Haré signifie un moment extravagant et festif. Parée d’un costume-accessoire qu’elle effeuille au gré des morceaux, elle nous entraîne dans son joyeux voyage intérieur. Tourmente est née de la rencontre entre la danseuse tournoyante Lora Juodkaite et le magicien Étienne Saglio. Leur admiration réciproque les amène à concevoir un solo performatif hallucinatoire où l’espace de la rotation devient le lieu de la perte des repères."

Benedict Kloeckner et Beatrice Berrut unissent leurs notes dans un programme où la clarté classique rencontre la passion romantique, et en font rayonner chaque nuance. Benedict Kloeckner maîtrise un son d’une grande limpidité, jamais forcé. Il cultive une élégance du timbre et un contrôle du souffle de l’archet qui donnent à son jeu une transparence remarquable. Chaque phrase est pensée comme un geste narratif, un prolongement du texte musical plutôt qu’une simple virtuosité. Beatrice Berrut a une vraie affinité avec le répertoire romantique, qu’elle interprète avec retenue et humanité. Leur dialogue, tout en souplesse et en intelligence, dévoile une écoute sensible et une rigueur commune. De la Sonate op. 69 de Beethoven, équilibre idéal entre éloquence et architecture, à la tendre mélancolie de la Sonate Arpeggione de Schubert, en passant par la richesse passionnée de la Sonate op. 99 de Brahms, ils tissent un fil d’une continuité expressive rare.

Lucile Lacaze nous embarque dans un suspense haletant pour dénoncer brillamment la brutalité de l’oppression patriarcale. Isabella, jeune fille vertueuse retirée au couvent, veut sauver son frère Claudio, promis à la mort pour avoir eu des relations sexuelles avant son mariage. Alors qu’elle rencontre le juge qui a prononcé la sentence, ce dernier lui propose un marché cruel: la vie de son frère contre sa virginité. Lucile Lacaze adapte la pièce avec une radicalité assumée, en la resserrant sur la violence que subissent et combattent les personnages féminins. Dans un espace nu, simplement traversé par quelques marques au sol figurant un palais ou une chambre, toute la théâtralité repose sur le jeu généreux des quatre interprètes. Ils donnent successivement corps à une dizaine de personnages, tous éprouvés par la répression religieuse, le chantage sexuel ou l’hypocrisie du pouvoir. Un thriller qui revitalise les ressorts tragicomiques de l’intrigue.

Un show plein de strass et de panache! Matthieu Barbin est danseur, performeur, notamment avec Boris Charmatz. Finaliste de Drag Race France saison 2, il apparaît sous les atours d’une flamboyante drag-queen. Il nous embarque dans un cabaret démesuré avec profusion de perruques et de costumes délirants. Sara Forever scrute les filiations des célébrités, prétexte à dévoiler ses généalogies rêvées comme son héritage familial. Et observe les peaux qu’il faut perdre pour s’inventer une identité pour mieux s'émanciper des assignations. Sans jamais cesser de se transformer, Matthieu Barbin se fraie un passage dans les lignées de filles et fils de stars américaines, et s’incruste en d’hilarants montages qui le propulsent au côté de Prince ou de Judy Garland. Sa mère Marylis est la vraie reine de ce soap opera, éclairant aussi nos vies ordinaires.

Comme toujours chez Les Chiens de Navarre, si la réponse passe avant tout par le rire et la dérision, elle n’en éclaire pas moins les tourments de notre société et ses contradictions. Deux affaires liées à l’effroyable sujet des violences sexistes et sexuelles se télescopent et échauffent les esprits. Celle d’une femme qui a tué sauvagement son mari après avoir subi de sa part, durant des années, des violences physiques et sexuelles. Celle d’un humoriste célèbre, auteur d’une blague malheureuse sur les violences faites aux femmes durant l’une de ses chroniques sur une station de radio populaire. Deux histoires qui se croisent indirectement et qui enflamment tout un pays. Magistrats, avocats, accusés, victimes ou témoins sont précipités au cœur d’une institution aux prises avec les grands sujets de notre époque. Une comédie à l’humour corrosif qui interroge les valeurs de la justice et les tourments de notre société… et se transforme en véritable exutoire!

La rencontre avec une personnalité solaire, à la dextérité fougueuse et à l’énergie contagieuse. Esther Abrami est plus qu’une musicienne, c’est une inspiration pour la jeune génération. À travers ses nombreux réseaux sociaux et son podcast Women in Classical, elle partage sa passion pour la musique et les coulisses de sa vie d’artiste avec une large communauté, rendant ce répertoire accessible à un public plus jeune et peu familier des codes du classique. Entourée exclusivement de musiciennes, elle interprète ses nouvelles compositions et celles d’artistes souvent méconnues. Elle revisite également des œuvres issues de ses précédents albums, notamment des musiques de films qui ont contribué à son succès fulgurant, prouvant si nécessaire qu’il est ô combien mérité.

Portés par la musique omniprésente et une énergie communicative, les échanges se font vifs, drôles et profonds. Au Burkina Faso comme au Cameroun, chez le barbier, la parole est libre, sans tabou. C’est le point de rencontre de l’homme africain. On y pose les histoires du quotidien, autant que de rocambolesques aventures. On saute du coq à l’âne avec jubilation. Qu’on évoque l’absence ou la sévérité des pères, les embrouilles ou l’amour, la religion ou le racisme, l’humour n’est jamais très loin, l'élan bienfaisant de la danse non plus. Dans ces salons refuges, en français, wolof, bambara, la masculinité noire et contemporaine dépose ses bagages, laissant affleurer toute la complexité de l’identité. Une pièce à l’ambiance survoltée, qui laisse le souvenir de rencontres savoureuses.

Il rend un hommage sincère à la puissance comique et chantante de la parole, et compose sur scène un portrait choral, politique et éminemment mélodieux. Chassol compte parmi les représentants les plus marquants de la scène musicale contemporaine française. Fasciné par la virtuosité verbale des comédiens américains, il est allé à leur rencontre à Chicago et New York pour capter leurs voix, leurs phrasés, leurs rythmes, et en extraire la matière d’une œuvre orchestrale inédite. Se mêlent soul, jazz, rap et comédies musicales, faisant dialoguer des voix de figures comme Dave Chappelle ou Dulcé Sloan avec celles de comédiens émergents. À partir de ces images, il harmonise le réel et compose un récit musical et engagé. Le stand-up y apparaît comme un espace de résistance, où s’expriment les luttes contre le racisme, les violences policières et les discriminations de genre. Une expérience immersive offerte aux spectateurs, baignés dans un univers artistique décloisonné.

Très souvent sollicités, nous n’accordons que rarement à nos sens des moments de repos. Le Silence des champignons est une invitation à ralentir, à observer et écouter la nature. Chanterelles, girolles et autres morilles sont discrètes. Il faut savoir les observer finement pour les comprendre, comme on tend l’oreille pour écouter une mélodie. Le poète crooner Bertrand Belin nous entraîne dans l’univers coloré et propice à l’imagination de l’illustratrice Marie Mirgaine. Habitué des plateaux de Bonlieu, l’Ensemble Tactus (L’appel de la forêt, Le Roi des ours) dévoile un monde riche et fidèle à la recherche perpétuelle de sonorités chères au compositeur américain John Cage.

Alors que la France subit + 5 °C, le PDG d’un grand groupe pétrolier s’est isolé avec sa fille et ses assistants dans un bunker protecteur. Un survivalisme paranoïaque loin d’être sans conséquences. Être à l’abri dans son bunker n’a pas suffi à ce super patron. Paul est aussi un homme augmenté. Son cerveau, devenu hybride par l’adjonction d’IA, décuple sa rapidité d’analyse de grand dirigeant. Mais en contrepartie, dans sa bouche, les mots se bousculent. Face à cette logorrhée frénétique, sa fille Ami oppose depuis quelque temps un mutisme résolu. Une épreuve humaine redoutable imposée à ce père s’étant méticuleusement construit une armure émotionnelle, qu’il pensait inébranlable. Marion Siéfert façonne une fiction dystopique, servie par l’énergie névrotique de Charles-Henri Wolff et la présence fiévreuse de Janice Bieleu. Une fable glaçante pas si éloignée du réel.

À l'aide de nombreux documents graphiques, des vidéos inédites et de nombreux objets de l'imaginaire ankamien, l'exposition raconte l'odyssée du jeu DOFUS, de la série télévisée WAKFU et du nouveau projet WAVEN. Plonger au cœur de cet art transmédia, c’est découvrir la genèse des formes et récits mythologiques de nos mondes contemporains.

Elle se tient face à eux, racontant sa vie et sa carrière. Une mise en abyme un brin diabolique pour un spectacle hautement désinvolte. Chorégraphe et incomparable performeuse, Marina Otero aime brouiller les pistes avec autodérision. Face aux hommes qui forment une sex machine collective, elle est assise dans un fauteuil, commentant sa vie rongée par la maladie. Son histoire familiale et artistique, documentée par de courtes vidéos artisanales, traverse l’histoire de l’Argentine, de la dictature à nos jours. Si une ballerine ne peut plus danser, que lui reste-t-il mis à part ses souvenirs et ses obsessions? Soumis à un jeu de rôle très défini, chacun est pourtant libre de se rebeller. Une radieuse irrévérence pour cette revue punk, érotique et tragique, placée sous la devise Recordar para vivir (Se souvenir pour vivre).

En adaptant le célèbre conte dʼHoffmann, il interroge le pouvoir des fictions racontées dans lʼenfance, leur emprise durable sur nos perceptions dʼadultes et notre fascination ambiguë pour les faux-semblants qui peuplent notre époque. Là-bas, sur la planète de sable, le vent ne cesse jamais de souffler. LʼHomme au sable y règne en maître et, chaque nuit, son ombre vient rôder sur terre pour récolter les regards des enfants qui n'arrivent pas à dormir. Depuis que ses parents lui ont raconté cette fable, Nathanaël est persuadé que le monstre existe. Des années plus tard, devenu adulte, il voit ressurgir cette figure terrifiante sous les traits dʼun marchand ambulant ou dʼune jeune femme immobile à sa fenêtre. Joris Mathieu explore les mécanismes de nos peurs enfouies, et la porosité entre réel et imaginaire. Sur un plateau recouvert de sable et traversé d'écrans holographiques, la scénographie brouille les repères: miroirs, ombres et reflets composent un espace hybride où le fantastique contamine le quotidien.

Agatha puise dans l’énergie du dancefloor pour bâtir un rituel contemporain où les corps s’accordent, s’élèvent et s’abandonnent à un mouvement partagé. Dans un monde saturé de peur, de division et de contrôle, danser ensemble devient un geste politique. La fête se vit comme un territoire de reconquête du sensible, une zone à défendre où s’invente une démocratie des corps. Sur scène, quatre interprètes, une DJ et un vidéaste inventent ensemble un cérémonial de soin social, entre isolement et communion, entre technologie et chair, entre euphorie et lucidité. Et invitent ensuite les spectateurs à un DJ set construit pour que chacun puisse se réapproprier son corps et sa liberté.

Une "traque" passionnée ayant comme but ultime de mieux le connaître et se comprendre. Soudain, quelque part dans la nuit, le hurlement d’un loup. Au sein du bivouac niché au creux du Vercors, c’est l’émoi et le début d’une fabuleuse enquête. À travers un récit palpitant, course échevelée pétrie d’enthousiasme, c’est toute la pensée philosophique de Baptiste Morizot qui se déploie. Nous ne sommes que des vivants parmi d’autres. Des humains habités d’ancestralités animales, et le moindre de nos gestes contient cet héritage. Raisonnement, doute, attention, amour, poésie ou imagination, chacun des six enquêteurs s’attribue un regard sensible et singulier. Avec eux, les idées prennent corps, deviennent limpides: penser sera leur épopée. Ils nous entraînent au cœur de la montagne explorer le vivant.

Ensemble, ils façonnent un dialogue d’une grande intensité, où chaque nuance devient respiration partagée. Schubert, Brahms, Schumann: Nicolas Dautricourt et Cristian Budu traversent trois sommets du romantisme et un siècle de lyrisme et d’émotion. Une conversation intime entre deux artistes dont l’exigence n’empêche jamais la grâce. Leur complicité rayonne dans un jeu d’une souplesse instinctive, capable de passer du murmure à l’embrasement en un instant. Guidés par un sens aigu du style, ils redonnent chair et émotion aux grandes pages du répertoire pour violon et piano.

Croisant les contes du premier et l’esthétique du second, Joris Mathieu crée deux spectacles autonomes qui prennent forme dans une même scénographie, comme un miroir tendu à la vérité. Dans la vision d’Hoffmann, imprégnée d’un certain romantisme, l’invention de la fiction naît de l’insatisfaction que produit le réel. Cette frustration le pousse à fuir le monde tel qu’il est et à en inventer un autre. Chez Tarkovski se joue notre incapacité à regarder le réel tel qu’il est. Nos yeux, épuisés par l’épreuve du quotidien, s’arrêtent à sa surface sans en percevoir la profondeur. À la croisée du théâtre et d’un cinéma intérieur, Joris Mathieu nous entraîne dans un univers étrange, propre à faire perdre tous les repères, et articule une fable visuelle qui nous fait entrevoir combien notre perception peut être instable.

Après Débandade où elle interrogeait l’essence de la masculinité, Olivia Grandville mène l’enquête sur ce que raconte cette puissance d’adhésion que génère la synchronicité, et sur son pouvoir de viralité. Se mouvoir en groupe, en mouvements similaires, existe de tout temps. Des assemblées totalitaires des chorégraphies de masse à la concorde joyeuse des fest-noz, il s’agit bien toujours d’embarquer les individus dans d’irrésistibles exaltations collectives, tant il est évident que partager un rythme commun porte un caractère festif et populaire. Quant aux réseaux sociaux, les liens qu’ils tentent de tisser créent des danses totalement virales. L’unisson serait-il une forme aussi séduisante que suspecte, dangereusement ambiguë? En cherchant le grain de sable qui gripperait la mécanique, Olivia Grandville signe une chorégraphie pour neuf interprètes jusqu’au vertige, reflet démultiplié de nos pratiques communes.

Marqueur de l’histoire annécienne, le Thiou, rivière où le lac se déverse, est mis à l’honneur, révélant aux habitants et visiteurs la beauté de ses rives. Agissant comme un véritable climatiseur naturel, le Thiou est d’une valeur inestimable pour la ville d’aujourd’hui et de demain, à l’heure où les Alpes subissent, le plus rapidement et violemment, les effets du réchauffement climatique. Comme pour mieux y révéler les forces naturelles qui y sont à l’œuvre, huit artistes de renommée internationale ont créé des œuvres, éphémères ou pérennes, spécialement conçues pour les sites qui les accueillent. Ils font du Thiou un lieu de brassage et de rencontres, créant chacun à sa manière un dialogue fécond où l’œuvre est inspirée du site qui, en retour, est révélé par l’œuvre.

Après l’adaptation de Mémoire de fille d’Annie Ernaux, Pauline Ribat offre une nouvelle expérience vive. Par la force du théâtre et de la littérature, l’intime se partage et devient universel. Charles Juliet a eu deux mères: celle qui l’a recueilli et élevé, et sa mère biologique. Cette dernière, s’occupant seule des enfants et du foyer, fait une dépression post-partum sévère qui la conduit à être internée en hôpital psychiatrique où elle mourra de faim pendant la Seconde Guerre mondiale. Elle est l'une des cinquante mille victimes de l'extermination douce sous le régime de Vichy. Son fils lui rend enfin les mots, à jamais perdus, avant de retracer son propre parcours et sa délivrance par l’écriture. Dans un espace qui se modifie au fil du spectacle, Pauline Ribat met en relief ce récit d’espoir, dont l’écriture se confond avec une intemporelle quête de soi, dans la rencontre de l’autre.